Durante más de medio siglo, una de las colecciones privadas de arte impresionista y postimpresionista más importantes jamás reunidas ha permanecido casi completamente oculta a los ojos del público. Sin préstamos a museos, sin apariciones en subastas, sin ningún tipo de alarde. La Colección Blaquier-Arrieta, reunida con silenciosa determinación y un discernimiento extraordinario por los coleccionistas argentinos Carlos Pedro Blaquier y Nelly Arrieta de Blaquier, ha existido durante décadas como un rumor, susurrado en los corredores de las galerías y referenciado en notas académicas, pero nunca verdaderamente visto. Eso está a punto de cambiar.
El próximo 18 de noviembre de 2026, Sotheby’s Nueva York ofrecerá doce obras de esta extraordinaria colección en una única venta nocturna titulada Legendary: The Blaquier-Arrieta Collection, con un estimado combinado en torno a los 450 millones de dólares. Es, por cualquier criterio, uno de los acontecimientos de subasta más trascendentales en la historia reciente del mercado del arte.
Una colección nacida en un momento dorado
Para comprender el peso de esta venta, es necesario apreciar la era en la que se formó la colección. Durante los años setenta, las galerías del Mayfair londinense todavía ofrecían obras de auténtica calidad museística a compradores privados de criterio exigente. Los Blaquier visitaban la ciudad casi anualmente y, solo en la legendaria Lefevre Gallery de Bruton Street, adquirieron no menos de siete de las doce obras que ahora salen a subasta, entre ellas un Paul Cézanne, un Pierre-Auguste Renoir, un Camille Pissarro, un Edgar Degas y un Paul Gauguin.
Ese mundo ya no existe. Como observa Simon Shaw, asesor sénior de Arte Impresionista y Moderno en Sotheby’s: «Hubo un tiempo en que podías entrar en una galería de primer nivel en Londres o Nueva York y, a lo largo de unos pocos años, construir algo de auténtica calidad museística. Eso ya no es posible, a ningún precio. Lo que más me llama la atención es que la Colección Blaquier-Arrieta no parece en absoluto una colección privada. Parece un pequeño museo, un Musée d’Orsay en miniatura, que abre sus puertas por primera vez.»
La colección es, en este sentido, una cápsula del tiempo: un registro notablemente intacto de lo que era posible para un coleccionista de medios y ambición genuinos durante una de las últimas grandes ventanas de oportunidad en el mercado del arte moderno. Helena Newman, presidenta de Sotheby’s para Europa y de Arte Impresionista y Moderno a nivel mundial, lo expresa con claridad: «Hay algo mágico en desvelar estas obras aquí en Londres, donde gran parte de la colección fue originalmente adquirida. Ver estas pinturas aquí es retroceder a los años setenta, cuando las paredes de marchantes como Lefevre estaban repletas de tesoros de una calidad que hoy rara vez se encuentra. La colección es una cápsula del tiempo de ese momento dorado, y es un privilegio extraordinario abrirla ahora al mundo.»
El último florecimiento de Van Gogh: Châtaigniers en fleurs
La obra estrella de la venta es una pintura que, para muchos especialistas, ocupa la cima de toda la producción de Van Gogh. Châtaigniers en fleurs —Castaños en flor— fue ejecutada en Auvers-sur-Oise a finales de mayo de 1890, apenas unos días después de la llegada del artista al pueblo donde pasaría los últimos dos meses de su vida. Cuenta con un estimado en torno a los 180 millones de dólares y no ha sido vista en público durante más de sesenta años.
El contexto de su creación añade una resonancia inconmensurable a la obra. Van Gogh había pasado el año anterior confinado en el asilo psiquiátrico de Saint-Rémy-de-Provence. Su llegada a Auvers trajo consigo una oleada de optimismo renovado. Escribió sobre la «hermosa vegetación en abundancia» y su convicción de que «el deseo de trabajar me devorará y me hará insensible a todo lo demás, y me mantendrá de buen humor». Lo que siguió fue uno de los períodos de creatividad más concentrados y emocionalmente cargados en la historia del arte, produciendo obras que hoy cuelgan en las grandes instituciones del mundo: La noche estrellada, Retrato del Dr. Gachet, La iglesia de Auvers-sur-Oise, Campo de trigo con cuervos.
Châtaigniers en fleurs pertenece a la primera y más esperanzadora oleada de esta producción. Un enorme castaño en flor domina la composición, cuya copa florecida está resuelta con la impasta gestual y trabajada que sitúa este lienzo en diálogo visual directo con las obras más célebres de Van Gogh. Bajo el árbol, una figura solitaria —que recuerda al propio artista— camina junto a un trío de mujeres ataviadas con trajes de apariencia japonesa y sombrillas, confiriendo a la escena un aire de quieto y onírico simbolismo.
De los cuadros que Van Gogh produjo durante sus semanas en Auvers, solo ocho paisajes permanecen en manos privadas. En los últimos cuarenta años, apenas diez obras de este período han aparecido en subasta, y de ellas, solo la mitad eran paisajes. Ninguna, sostiene Sotheby’s, ha igualado a esta pintura en escala, calidad o impacto emocional.
La procedencia de la obra es tan distinguida como la pintura misma. Tras la muerte de Van Gogh en julio de 1890, pasó primero a su hermano Theo, y luego a la viuda de este, Johanna van Gogh-Bonger, y a su hijo Vincent Willem. Entre sus propietarios posteriores figuran Samuel Fischer, el visionario editor cuya S. Fischer Verlag publicó por primera vez a Thomas Mann, Hermann Hesse y Arthur Schnitzler, y George «Buddy» Gard de Sylva, compositor, productor cinematográfico y cofundador de Capitol Records. En 1953 fue adquirida por Harriet Harris-Jonas, cuya colección era tan célebre que el Metropolitan Museum of Art organizó visitas privadas para que sus mecenas pudieran contemplarla en su apartamento de la Quinta Avenida. Los Blaquier adquirieron la obra a Wildenstein en 1975. Desde entonces no ha sido expuesta públicamente.
Julian Dawes, vicepresidente de Sotheby’s y director de Arte Impresionista y Moderno para las Américas, expresa la magnitud del momento sin rodeos: «Estas son dos de las obras más extraordinarias que cada uno de estos artistas jamás creó, pintadas con pocos años de diferencia entre sí y no vistas durante medio siglo. Para una generación que solo las ha conocido a través de las páginas de los catálogos razonados, han adquirido un estatus casi mítico. Ofrecer cualquiera de las dos sería el punto culminante de una carrera. Ofrecer ambas en una misma venta es algo verdaderamente extraordinario.»
El Arlequín de Cézanne: el último en manos privadas
La segunda obra a la que se refiere Dawes es el Arlequín de Paul Cézanne, estimado en torno a los 120 millones de dólares y ampliamente considerado como uno de los Cézannes más importantes jamás salidos al mercado. Al igual que el Van Gogh, no ha sido visto en público desde 1975.
Entre 1888 y 1890, Cézanne pintó cuatro composiciones de Arlequín, obras en las que su hijo Paul posó por primera vez para una pintura de gran formato. Forman parte de un conjunto más amplio de quince grandes pinturas de figuras, ejecutadas entre 1888 y 1896, que incluyen la serie del Muchacho del chaleco rojo junto a las célebres composiciones de los Jugadores de cartas y el Fumador. En conjunto, los historiadores del arte los consideran el cénit del logro figurativo de Cézanne. De esas quince obras, prácticamente todos los ejemplos residen en grandes museos. La excepción, hasta ahora, ha sido el Arlequín.
El historiador del arte Felix Baumann ha escrito que «entre 1888 y 1890, Cézanne creó dos series de obras que se encuentran entre las más magníficas y las más enigmáticas de toda su producción. La primera consiste en imágenes del hijo del artista, Paul, como Arlequín… el segundo grupo muestra al joven modelo profesional Michelangelo di Rosa, conocido en la historia del arte como el ‘Muchacho del chaleco rojo’. En ambas series, Cézanne, que entonces tenía cincuenta años, exploró el tema de la juventud en proceso de maduración. En 1888, su hijo Paul tenía diecisiete años; la íntima relación entre el pintor y su único hijo está documentada en numerosos estudios de retratos, pero nunca antes había realizado una gran pintura de su hijo.»
La historia de la obra es tan notable como su tema. Su procedencia constituye una lista de los nombres más significativos del mundo del arte moderno: Ambroise Vollard, Durand-Ruel, Paul Rosenberg, Wildenstein y, durante aproximadamente dos décadas a partir de 1936, las paredes de Merton Hall en Cambridge, residencia familiar de los Rothschild. Posteriormente ingresó en la Lefevre Gallery antes de ser adquirida por los Blaquier. A pesar de sus décadas en manos privadas, fue expuesta previamente en el Salon d’Automne de París en 1907, en el Museum of Modern Art de Nueva York en 1929, en el Art Institute of Chicago en 1952 y en la Tate de Londres en 1954, figurando en algunas de las exposiciones de Cézanne más importantes jamás celebradas.
Solo otro Arlequín de esta serie ha aparecido alguna vez en subasta: un ejemplar de menor tamaño, hoy en el Pola Museum of Art de Kanagawa, que alcanzó 8,2 millones de dólares en Sotheby’s Londres en 1988, siendo entonces el segundo precio más alto jamás obtenido por el artista. La comparación con Los jugadores de cartas, adquirido supuestamente por la colección nacional de Qatar en 2011 por 250 millones de dólares, evidencia el territorio de excepción que ocupa esta obra.
La colección completa: un recorrido por los grandes logros del impresionismo
Más allá de estas dos obras capitales, la venta presenta diez pinturas adicionales que trazan el arco completo del impresionismo y el postimpresionismo con notable cohesión y profundidad. Cada una representa un momento significativo en la trayectoria de su autor. Ninguna ha aparecido anteriormente en subasta.
En Canot (Jeune fille à la barque) de Pierre-Auguste Renoir, estimada en 25-35 millones de dólares, fue pintada en 1877, el mismo año en que los impresionistas adoptaron formalmente su nombre en la Tercera Exposición Impresionista. Una luminosa escena de paseo en barca de casi un metro de anchura, es la obra más grande de Renoir de la década de 1870 que sale al mercado en más de dos décadas. Se cree que la modelo es Marguerite «Margot» Legrand, una de las modelos favoritas del artista, que también aparece en el Bal du moulin de la Galette del Musée d’Orsay.
La gran vista urbana parisina de Camille Pissarro, La Place du Théâtre-Français et l’avenue de l’Opéra, soleil d’après-midi en hiver, estimada en 30-40 millones de dólares, no ha sido vista desde 1958. Pintada en 1898 desde el elevado mirador de su ventana en el Grand Hôtel du Louvre, se encuentra entre los mejores ejemplos de su célebre serie tardía parisina que permanecen en manos privadas. Su procedencia incluye las colecciones de Leigh B. y Mary Lasker Block, y del renombrado coleccionista y fundador de museos Norton Simon.
El pastel de Edgar Degas Avant la course, estimado en 20-30 millones de dólares, es uno de los pasteles de carreras de caballos de mayor formato y elaboración del artista que permanece en propiedad privada, y la obra más significativa de este tipo salida al mercado en al menos cuatro décadas. Fue adquirida ya en 1895 por Harris Whittemore, uno de los primeros coleccionistas americanos de arte impresionista, antes de pasar a la colección de Sidney F. y Frances Lasker Brody, impulsores fundamentales de la fundación del Los Angeles County Museum of Art.
Fleurs dans une coupe de Paul Gauguin, estimada en 10-15 millones de dólares, pertenece a un pequeño grupo de naturalezas muertas pintadas durante los últimos años del artista en Tahití, enteramente, como el propio Gauguin describió, desde su «imaginación desenfrenada». La composición fusiona lo humano y lo natural de un modo que la sitúa en diálogo directo con Cézanne, un artista al que Gauguin admiraba profundamente.
Le Jardin des Tuileries de Claude Monet, estimada en 15-20 millones de dólares, fue pintada en 1876 desde un apartamento en el quinto piso de la Rue de Rivoli prestado a Monet por el gran mecenas impresionista Victor Chocquet. Es una de las únicas dos vistas de esta célebre suite de cuatro obras que permanece en manos privadas; las restantes se conservan en el Musée d’Orsay y el Musée Marmottan Monet de París. Exhibida en la Tercera Exposición Impresionista en 1877, ingresó en la Colección Blaquier-Arrieta a través de Wildenstein en 1979.
Bateaux au port de Collioure de André Derain, estimada en 8-12 millones de dólares, data del decisivo verano de 1905 que el artista pasó en Collioure junto a Henri Matisse, el crisol del que surgió el fauvismo en su forma más radical. Junto a ella en la venta figura Nature morte à la cruche bleue (1906-07) de Maurice de Vlaminck, que aparece en subasta por primera vez y muestra los primeros indicios de su compromiso con la influencia de Cézanne.
La colección se completa con La Seine à Port-Marly de Alfred Sisley, de 1873, otro paisaje de Pissarro, Maison de Piette à Montfoucault de 1875, y el penetrante retrato de Toulouse-Lautrec Femme assise de profil vers la gauche, de 1890.
La mujer detrás de la colección
Hablar de la Colección Blaquier-Arrieta sin reconocer el papel central de Nelly Arrieta de Blaquier sería tergiversar su historia. Figura de primer orden en la vida cultural y filantrópica argentina, ejerció como presidenta de los Amigos del Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires, miembro del Consejo Internacional del Museum of Modern Art de Nueva York y miembro del Comité Internacional de los Amigos del Musée d’Orsay de París. Su compromiso con el arte fue mucho más allá de la adquisición: fue constructora de instituciones culturales y defensora de la educación y la investigación médica a lo largo de toda su vida.
Philip Hook, autor de The Ultimate Trophy: How The Impressionist Painting Conquered The World, enmarca la reaparición de la Colección Blaquier-Arrieta en términos que resonarán en quienes han seguido la evolución del mercado del arte durante los últimos cincuenta años: «Durante décadas, la Colección Blaquier-Arrieta ha sido materia de leyenda: susurrada, alejada de la mirada pública, ha alcanzado un estatus casi mítico en el mundo del arte. Una de las últimas grandes colecciones privadas de arte impresionista y postimpresionista, fue formada cuando los grandes nombres todavía estaban al alcance. Su reaparición ahora marca un momento histórico para el mercado.»
Cómo ver la colección
Antes de la subasta en Nueva York, la colección realizará una gira internacional, brindando a coleccionistas y entusiastas de todo el mundo la oportunidad de contemplar en persona estas obras maestras largamente ocultas. Las exposiciones públicas están programadas en Sotheby’s Taipei del 5 al 6 de octubre, Sotheby’s Hong Kong del 13 al 15 de octubre, Sotheby’s París del 19 al 23 de octubre, y Sotheby’s Nueva York del 7 al 17 de noviembre, antes de la venta el 18 de noviembre de 2026.
Para una generación de coleccionistas que solo ha conocido estas pinturas a través de las páginas de catálogos y monografías académicas, la oportunidad de situarse ante ellas será, sencillamente, histórica.
